Siete añitos cumple ya MADinSpain, en una edición muy concurrida: más valía madrugar para poder sentarse y disfrutar de las diferentes ponencias.

Antes de comentarlas, reconozco que disfruté más el año pasado, donde todas las intervenciones me parecieron brillantes. Que el nivel de 2011 fuese muy difícil de alcanzar no significa que en esta última edición no hayamos podido asistir a cosas más que interesantes. Y, como siempre, la organización funcionó como un engranaje bien engrasado así que la experiencia resultó enriquecedora en general.

Un nexo común de todas las charlas fue la importancia de imprimir carácter propio en cada creación sin perder el foco de la utilidad. Y la necesidad de ser original y beber menos de proyectos ya realizados con anterioridad, idea comentada por varios ponentes.

El viernes comenzó con la Masterclass de Adobe, impartida por Ana Mesas y Rufus Deuchler. Nuevas herramientas y la evolución de las que nos presentaron en 2011 nos hacen entrever un futuro más sencillo a la hora de manejar 3D y vídeo. Mención aparte merecen sus desarrollos en el campo de las tablets, todo tan bien explicado que dan ganas de tener cuanto antes la versión CS6 entre manos.

Nando Costa tomó el relevo con diseños muy coloridos. El autor de los títulos de crédito de esta edición nos habló de muchos temas, pero me quedo con la idea de que ningún proyecto es inútil: aunque finalmente el cliente no elija nuestra propuesta, es una forma más de aprender. También tuvimos el gusto de ver algunos spots como el de “Bull Fight” para Samsonite, y sus proyectos en stop motion, en grabado sobre madera y con papel recortado. Y, cómo no, asistimos al making off de los créditos, que nos transmiten que todos los ponentes son parte del mismo ecosistema gracias a la integración de sus nombres en un idílico bosque. Una gran exposición en la que utilizó la cita de Escher “mi trabajo es un juego, un juego muy serio”, que no deberíamos perder nunca de vista.

Hanzo es una empresa de diseño de servicios digitales muy interesante. Uno de sus fundadores, Borja Delgado, realizó una charla de carácter didáctico que seguramente resultó particularmente útil para profesionales ajenos al medio online y para estudiantes, que constituían una gran parte del público. Al estar en una agencia digital, la ponencia me sonó a algo conocido donde se ensalzó el diseño reticular mediante plantillas modulares, el uso de elementos como el footer… Viene bien recordar la necesidad de conjugar el diseño con lo funcional, la búsqueda de soluciones con la realización de un producto con personalidad. Una gran reflexión: un proyecto no se acaba al entregarlo; debe existir un seguimiento que permite corregir, modificar y mejorar.

Tras el descanso para comer llegó el único cambio en el programa: el MAD Express del viernes fue sustituido por la sesión de música, cuanto menos peculiar, de Darrin Wiener. Cono nota curiosa, un perrito irrumpió en el escenario contribuyendo, no sé si de forma voluntaria o no, a la original atmósfera.

Vitaly Friedman, cofundador de la revista Smashing Magazine, me gustó mucho. Totalmente de acuerdo con él, pasamos demasiado tiempo buscando en Internet qué hacen otros diseñadores, recogiendo y reutilizando influencias y trozos de sus diseños que, cuando los juntamos porque sí, pierden el sentido con el que se idearon originalmente. Así es muy difícil crear tendencias, ya que todo acaba pareciéndose. Una reflexión que me llevo de su charla es la de dejar que nuestra mente se inspire sin ahogarse, pues, en cosas ya hechas. Y, por supuesto, sin perder la vertiente útil que todo diseño debe perseguir (y más online). Vitaly es un gran defensor del “diseño invisible”. Es decir, aquél que pasa desapercibido para el usuario porque está cubriendo perfectamente sus necesidades: el diseño debe tener un propósito, debe poderse medir y testear y todo debe contar con un significado incluyendo los copys (muchas veces ignorados). Además, si es innovador y fluye como la historia de un cuentacuentos, mejor que mejor.

Cuban Council es el estudio estadounidense responsable del logo de Facebook, entre otras cosas. Pese a lo interesante de sus trabajos, creo que esta ponencia no dio de sí todo lo que prometía y me dejó algo indiferente. Tras conocer la historia de los fundadores de la compañía, hablaron de cómo abordaron diferentes proyectos como el realizado para los vinos de Francis Ford Coppola, pero eché de menos ver los proyectos en sí, que no mostraron en ningún momento. Al igual que Vitaly Friedman, para ellos la mejor inspiración no tiene que venir siempre de Internet, y que hay que saber adaptarse continuamente.

The Mill cerró el viernes con una participación que demuestra que… ¡no sabe nada, Jordi Bares, sobre 3D! Gracias a él tenemos más claro el complicado proceso que hay detrás de su trabajo, enseñando las herramientas que se utilizan. Fue muy técnico y algo denso, dividiendo al público entre los que buscaban algo más visual y los que, como yo, disfrutaron mucho de su intervención.

El sábado entré en el MAD con muchísimas ganas de ver a Aaron Mcbride. El año pasado, su colega en ILM Christian Alzmann se convirtió en uno de mis favoritos del evento, y tenía grandes expectativas en su intervención. Es imposible no admirar sus ilustraciones para la saga “Piratas del Caribe”; este hombre tiene un talento innegable. Resultó interesante la clasificación de los diseños atendiendo a si carecen de elementos orgánicos (Hard Surface Design), etc., su explicación de pequeños trucos como la realización de la lava de “Star Wars, la venganza de los Sith” y ver la enorme y meticulosa cantidad de bocetos que se realizan para cada toma en una película de estas características.

Mario Eskenazi fue uno de los más aplaudidos esta edición, pese a que a mí no terminan de llenarme sus trabajos (aunque la ponencia fue muy buena). Diseñador, tipógrafo y con una larga trayectoria a sus espaldas, realizó una exposición dinámica siguiendo un sencillo esquema para los diferentes proyectos: primero hay que tener la idea para dejar que los propios conceptos determinen la forma que tomarán. Después hay que reducirlo hasta su esencia y, si la idea se mantiene íntegra, tenemos un buen diseño. Para el veterano diseñador, un concepto debe construir un sistema antes que un logotipo. Mostró infinidad de casos con problema - solución, ofreciendo resultados fáciles de entender, producir y reproducir.

No-Domain, como estudio audiovisual, presentó diversos trabajos basados en una narrativa abstracta para los que utilizan multitud de técnicas y materiales. La charla se cerró con un trabajo muy personal, un vídeo musical cantado por dos niñas y acompañado visualmente por objetos obtenidos de materiales desechables. El estudio barcelonés siempre experimenta en sus proyectos, logrando resultados muy originales.

Un MAD Express con ideas interesantes como la revista Lineacurve de ilustración o el video juego “Cheese please” dieron paso a mis preferidos de la edición: Bendita Gloria.

Qué bien me lo pasé, y cómo me gustaron los temas expuestos. En un mundo ideal, el proceso de producción debería ser así: identificar el problema, cerrar la idea y realizar los diseños para buscar soluciones reales y prácticas… ¡y cobrar por adelantado los trabajos! También defendió el uso de buenos argumentos frente a las quejas improductivas y a la búsqueda de culpables.

Saltarse las convenciones si para nuestro diseño merece la pena (pobre Comic Sans), salir de los blogs como fuente de inspiración y dotar al diseño de significado (tema recurrente en el MAD), menos es más… todas estas premisas se aplican a sus trabajos y nos dejan ver un estudio arriesgado y fresco, capaz de realizar toda una nueva identidad 360º de unos vinos utilizando Powerpoints, webs con aspecto de tener 10 años, etc. Una charla sin desperdicio y una sorpresa fantástica.

Randy J. Hunt es el Director Creativo de Etsy, y uno de los fundadores de Supermarket. Con este currículum podemos hacernos una idea de sus inquietudes y gustos, que reflejó mostrando en detalle ambos proyectos de éxito. Etsy es el lugar perfecto para comprar y vender objetos manufacturados, y el portal cuenta con un diseño cuidado y muy visual. Supermarket permite descubrir nuevos diseñadores a través de sus propios trabajos.

Y como punto final, el inclasificable Stefan Sagmeister. Quien esperase una charla de diseño, se quedaría bastante extrañado, ya que este polifacético autor centró su intervención en ¡la búsqueda de la felicidad! Cada 7 años cierra su estudio para dedicar uno a experimentar, dando lugar a nuevas formas de afrontar su trabajo y a piezas que incluyen desde material audiovisual hasta original mobiliario (como la lámpara con base de perros de juguete a pilas que deambula por el salón). La ponencia derivó en la búsqueda de la felicidad tras plantearse en este período si se puede ser feliz siendo diseñador. De 19:00 a 20:00 asistimos a la proyección de “The Happy Film” y “Now is better”, y fuimos interpelados sobre nuestro estado de ánimo, conociendo un poco más aquellos aspectos que nos perturban o mejoran nuestro humor. Resultó innovador y muy divertido, con cierto aire de gurú hippie, pero con evidentes aplicaciones prácticas. Como conclusiones, no poner cortapisas iniciales a las ideas, aprender viajando a nuevos sitios, utilizar herramientas y técnicas variadas, implicarse en los proyectos, conseguir la opinión de la gente y centrarse en un proyecto hasta lograr la perfección. Si se logra todo esto, sí, es posible la felicidad incluso en un trabajo como el nuestro.

Un cierre optimista de la mano de un gran diseñador para un festival en plena forma que nos anima a intentar cosas nuevas a pesar del miedo que puedan provocarnos los cambios.